Què aprecieu i gaudiu del treball amb Harriet i com és la vostra experiència treballant per a IDI?
M’ha agradat molt la combinació de ser bastant estricta, a Harriet li agrada que les coses estiguin ben fetes i és molt dedicada. Però, al mateix temps, ens dóna la llibertat d’experimentar i crear. Té curiositat per la persona que pot ser tothom.
Què és el que més us agrada de treballar amb joves intèrprets i ballarins a IDI?
En els darrers vint anys he estat ensenyant molt, així que he conegut i he treballat amb molts estudiants i joves intèrprets, m’agrada molt. Es pot veure el molt oberts que tenen per entendre i assumir diferents coses. Tot i que potser un ballarí més professional estarà interessat a mostrar el potencial i les capacitats que tenen. Per descomptat, no sempre és així, per exemple, Sylvie Guillem sempre va estar oberta, tot i que va ser la primera ballarina, estava oberta a diferents estils i directors. Amb joves intèrprets o estudiants, el més bonic és també la capacitat de tecnologia. Moltes vegades crec que només si puc i després arriben a una solució amb aquesta llum, amb aquesta música, amb aquest so i aquesta capacitat de projecció. Un cop vam treballar amb ombres, vaig saber com volia fer-ho i vaig saber la manera bàsica de dir-ho. Però els joves estudiants i intèrprets eren molt capaços de desenvolupar les capacitats tecnològiques que hi havia al darrere i es va convertir en molt interessant.
Voleu explicar-nos el vostre record més agradable de treballar amb IDI?
Va ser un moment de l'any passat (octubre de 2020), quan Harriet va demanar a un dels ballarins que interpretés un lleó. Es movia molt i es movia molt bé i en algun moment li vam preguntar "Qui ets?" i va dir: "Sóc un lleó, brama!". Harriet es reia del cap i li demanava que la repetís. Llavors vaig pensar que era bo no solament demanar fer formes i moviments, sinó tenir curiositat d’on prové el moviment. Això és per a mi IDI: d’on ve el moviment i cap a on el podem portar.
Com va començar el vostre viatge cap a la dramatúrgia?
Les dues coses que van juntes en el meu viatge cap a la dramatúrgia i el meu interès pel moviment és que em va fascinar la manera com el cos pot explicar una història i, a través del moviment, vaig analitzar una forma d’escriure diferent. El meu viatge va començar als 17 anys, així que fa 30 anys. No sé per què, però em va cridar l’atenció i vaig tenir diferents estudis a la universitat, teatre i dramatúrgia per una banda i moviment amb escoles de teatre físic per l’altra. Vaig treballar en una escola de teatre físic que feia gires internacionals i vaig poder experimentar com s’utilitza gairebé per explicar una història com a actriu de moviment físic i què significa escriure una història amb el teu propi cos donant vida a la idea d’una altra persona. , del director. Poc a poc em va quedar més fascinat amb la part del director i vaig començar a crear les meves pròpies actuacions i després vaig ser professor. Però la meva feina sempre partia del cos.
Ens podeu parlar de l’efecte que Covid va tenir en el vostre treball, especialment dins del projecte amb IDI, i si us va fer replantejar-vos algunes coses sobre la vostra feina?
Vaig parlar d'això amb Harriet, per això vaig tenir la idea d'una coreografia que vaig proposar. Durant el tancament, molta gent estava asseguda al costat de la finestra i em vaig adonar que l’única cosa que podíem compartir era com és el temps i com és la llum, i es va convertir en la nostra paraula, en la nostra llengua. Ens adonem de com afecta el clima al nostre estat d’ànim i de com el clima és crucial per a les nostres vides. A través de la cultura i els diaris sabem que hem de ser conscients del temps i de l’advertència mundial, però allà només ho vaig sentir, que formem part del mateix i formem part d’aquest món. Físicament, sentia la necessitat de sortir a córrer i moure'm per pensar i ser jo mateix. Crec que hem de caminar i moure’ns.
Al vostre parer, què és necessari per a la dansa i la interpretació actualment? Les noves tecnologies i el multimèdia són un punt crucial per al seu futur?
Crec que la dansa necessita una revolució, un canvi que passi. En teatre, Peter Brook va determinar que l’escenari i els trucs màgics de la llum han de ser visibles pel públic. No es tracta de crear una il·lusió, sinó de creure i confiar en la il·lusió del teatre per parlar de coses diferents. Ara passa el mateix amb la dansa i la tecnologia ajuda a això. En la dansa, confiem en el virtuosisme del cos, però en algun moment hi ha un límit. D’alguna manera ens estem acostumant a veure volar cossos o fer piruetes, però el que volem veure és com això pot convertir-se en una història i per què hauríem d’utilitzar el cos a l’escenari per explicar una història. La tecnologia ens pot ajudar a avançar aquesta possibilitat i trobar una manera diferent de veure la realitat mostrant punts de vista encara més diferents.
Segons la vostra experiència com a professor i intèrpret, quins són els majors beneficis i efectes positius de l’expressió corporal? Quin poder creus que té la dansa?
Crec que és important perquè el que volem fer és connectar amb el públic o transmetre alguna cosa al públic. Crec que el que compartim amb tots els éssers humans és el cos, de manera que tot el que veiem que passa pel cos, corporalment a l’escenari, podem entendre què passa. Totes les emocions o sentiments, fins i tot les idees que volem transmetre, si trobem una manera que arriba a través del moviment, a través del cos, a través de les traces que el cos pot deixar a l’escenari, a través del so que pot fer el cos, el tipus de diferent textures o pressions que el cos pot donar a un altre cos o al terra o a l’espai que l’envolta ... que el públic percep immediatament i pot convertir-se en una història. El públic pot sentir allò que volem dir-li. Per a mi, això és el més interessant que podem fer a l’escenari.
Com vau decidir perseguir el mim corporal i com va ser la vostra experiència treballant amb aquest gènere en concret?
Crec que el nom és complicat perquè és mim corporal i la part que tothom nota és la part “mim” i tothom pensa en Marcel Marceau o la cara blanca. Però no té res a veure amb això. El que m’interessava era la tècnica de la combinació de teatre i dansa. El fundador Étienne Decroux era un home del teatre, però també estava molt fascinat per la dansa. Buscava quelcom que fos tan expressiu com la dansa, però que realment pogués transmetre una història d’una manera. La història era la història d’un ésser humà, així que per ell la història del cos. Realment va analitzar que podem moure el cos d’una manera expressiva i transmetre diferents energies, diferents textures de moviment que poden expressar diferents estats i moviments.
No sé per què vaig començar aquest viatge, és això quan sents que vols fer alguna cosa i investigues. Recordo haver vist un vídeo que realment em quedava al cap, d’una peça determinada anomenada Factory del Theatre de l’Ange Fou. Van continuar desenvolupant les peces del repertori d’Étienne Decroux i les van fer contemporànies. Em vaig posar en contacte amb ells i vaig decidir demanar que treballés amb ells i després vaig entrar a l’empresa. O només estava fascinat per la seva expressivitat emocionant i commovedora com a poesia d’una manera o drama.
Quin és el vostre procés professional?
El camí cap al meu procés creatiu és el que va venir després del mim corporal, després d’Étienne Decroux. Així que agafo una mica del treball amb aquesta companyia amb la qual vaig estar i també el que es diu mim postmodern, que és un altre ajudant d’Étienne Decroux, que es diu Thomas Leabhart i altres persones que van venir després, la propera generació. Més particularment, la generació dels anys 70 que va explorar com podem utilitzar aquest moviment i altres tècniques de moviment i, de fet, ser abstractes en certa manera. Resum no vol dir que no expliquem la història, sinó que expliquem més d’una història alhora. És com un quadre de Picasso on es poden veure alhora diferents punts de vista. Utilitzaven el cos per expressar el que passa fora però també el que sentim a dins i el que recordem. És com la poesia, la pintura i aquesta idea que anava i tornava en el temps i en la intercepció. Això és el que realment em va fascinar i hi va haver altres professionals com Rudolph von Laban, que també utilitzava molt la dansa i també influïa més que la dansa amb la seva idea de connectar el que fem amb el que diem i el que pensem. Ara el moviment pot esdevenir un reflex de les paraules, però no en el sentit que és moviment codificat, sinó que té l’essència del pensament.
Valentina Temussi, professora IDI, col·laboradora, coreògrafa 2021
