¿Qué aprecia y disfruta del trabajo con Harriet, y cómo es su experiencia trabajando para IDI?
Me gustó mucho la combinación de ser bastante estricta, a Harriet le gusta que las cosas estén bien hechas y es muy dedicada. Pero al mismo tiempo, nos da la libertad de experimentar y crear. Ella siente curiosidad por la persona que todos pueden ser.
¿Qué es lo que más disfruta de trabajar con jóvenes intérpretes y bailarines en IDI?
En los últimos 20 años he estado enseñando mucho, así que he conocido y trabajado con muchos estudiantes y jóvenes artistas, me gusta mucho. Puede ver lo abiertos que son para comprender y asimilar diferentes cosas. Mientras que, quizás, un bailarín más profesional estará interesado en mostrar el potencial y las capacidades que tiene. Eso sí, no siempre es así, por ejemplo Sylvie Guillem siempre estuvo abierta, a pesar de ser la primera bailarina, estuvo abierta a diferentes estilos y directores. En el caso de los jóvenes intérpretes o estudiantes, lo más bello es también la capacidad para la tecnología. Muchas veces pienso solo si pudiera y luego se les ocurre una solución con esta luz, con esta música, con este sonido y esta capacidad de proyección. Una vez que trabajamos con sombras, supe cómo quería hacerlo y supe la forma básica de decirlo. Pero los jóvenes estudiantes e intérpretes eran muy capaces de desarrollar las capacidades tecnológicas que había detrás y se volvió muy interesante.
¿Quiere contarnos sobre su mejor recuerdo de trabajar con IDI?
Fue un momento del año pasado (octubre de 2020), cuando Harriet le pidió a uno de los bailarines que realizara un movimiento interpretando a un león. Ella se movía mucho y se movía muy bien y en algún momento le preguntamos "¿Quién eres tú?" y ella dijo “¡Soy un león, Rugido!”. Harriet se reiría a carcajadas y le pediría que lo hiciera de nuevo. Luego pensé en lo agradable que era no solo pedir hacer formas y movimientos, sino sentir curiosidad por saber de dónde viene el movimiento. Esto es lo que la IDI es para mí: de dónde viene el movimiento y adónde podemos llevarlo.
¿Cómo empezó tu camino hacia la dramaturgia?
Las dos cosas que van juntas en mi camino hacia la dramaturgia y mi interés por el movimiento es que me fascinaba cómo el cuerpo puede contar una historia y, a través del movimiento, analicé una forma de escribir diferente. Mi viaje comenzó cuando tenía 17 años, ¡hace 30 años! No sé por qué, pero me llamó la atención y tuve diferentes estudios en la universidad, teatro y dramaturgia por un lado y movimiento con escuelas de teatro físico por el otro. Trabajé en una escuela de teatro físico que realizó giras internacionales y pude experimentar cómo casi se usa para contar una historia como actriz de movimiento físico y lo que significa escribir una historia con tu propio cuerpo dando vida a la idea de otra persona. , del director. Poco a poco me fui fascinando más con el papel del director y comencé a crear mis propias actuaciones, luego me convertí en maestra. Pero mi trabajo siempre partía del cuerpo.
¿Puedes contarnos sobre el efecto que Covid tuvo en tu trabajo, particularmente dentro del proyecto con IDI, y si te hizo repensar ciertas cosas sobre tu trabajo?
Hablé de esto con Harriet y por eso se me ocurrió la idea de una coreografía que propuse. Durante el encierro, mucha gente estaba sentada junto a la ventana y me di cuenta de que lo único que podíamos compartir era cómo está el clima y cómo es la luz, y se convirtió en nuestra palabra, nuestro idioma. Nos damos cuenta de cuánto afecta el clima a nuestro estado de ánimo y cómo el clima es crucial para nuestras vidas. Lo sabemos por la cultura y los periódicos que tenemos que estar atentos al clima y la alerta global, pero ahí lo sentí, que somos parte de lo mismo y parte de este mundo. Físicamente, sentí la necesidad de salir y correr y moverme para pensar y ser yo mismo. Creo que tenemos que caminar y movernos.
En su opinión, ¿qué es necesario para la danza y el espectáculo hoy en día? ¿Son las nuevas tecnologías y multimedia un punto crucial para su futuro?
Creo que la danza necesita una revolución, que suceda un cambio. En teatro, Peter Brook determinó que el escenario y los trucos mágicos de la luz deben ser visibles para el público. No se trata de crear una ilusión, sino de creer y confiar en la ilusión del teatro para hablar de diferentes cosas. Ahora está sucediendo lo mismo con la danza y la tecnología está ayudando a esto. En la danza nos apoyamos en el virtuosismo del cuerpo, pero en algún momento hay un límite. De alguna manera nos estamos acostumbrando a ver cuerpos volar o hacer piruetas, pero lo que queremos ver es cómo esto puede convertirse en una historia y por qué debemos usar el cuerpo en el escenario para contar una historia. La tecnología puede ayudarnos a hacer avanzar esta posibilidad y encontrar una forma diferente de ver la realidad mostrando puntos de vista aún más diferentes.
En su experiencia como docente e intérprete usted mismo, ¿cuáles son los mayores beneficios y efectos positivos de la expresión corporal? ¿Qué poder crees que tiene la danza?
Creo que es importante porque lo que queremos hacer es conectar con la audiencia o transmitir algo a la audiencia. Creo que lo que compartimos con todos los seres humanos es el cuerpo, así que cualquier cosa que veamos que está pasando a través del cuerpo, corporalmente en el escenario, podemos entender lo que está pasando. Todas las emociones o sentimientos, incluso las ideas que queremos transmitir, si encontramos un camino que viene a través del movimiento, a través del cuerpo, a través de las huellas que el cuerpo puede dejar en el escenario, a través del sonido que el cuerpo puede hacer, el tipo de diferente texturas o presiones que el cuerpo puede dar a otro cuerpo o al suelo o al espacio circundante… que es percibido de inmediato por el público y puede convertirse en una historia. La audiencia puede sentir lo que queremos decirles. Para mí, eso es lo más interesante que podemos hacer en el escenario.
¿Cómo decidiste dedicarte a la mímica corporal y cómo fue tu experiencia trabajando con este género en particular?
Creo que el nombre es engañoso porque es mimo corpóreo y la parte que todos notan es la parte “mimo” y todos piensan en Marcel Marceau o la cara blanca. Pero no tiene nada que ver con eso. Lo que me interesaba era la técnica de combinación de teatro y danza. El fundador Étienne Decroux era un hombre de teatro pero también estaba muy fascinado con la danza. Buscaba algo que fuera tan expresivo como la danza pero que realmente pudiera transmitir una historia de alguna manera. La historia era la historia de un ser humano, entonces para él la historia del cuerpo. Realmente analizó que podemos mover el cuerpo de manera expresiva y transmitir diferentes energías, diferentes texturas de movimiento que pueden expresar diferentes estados y movimientos.
No sé por qué comencé este viaje, es esto cuando sientes que quieres hacer algo e investigas. Recuerdo haber visto un video que realmente se me quedó en la cabeza, de una pieza en particular llamada The Factory, de Theatre de l'Ange Fou. Continuaron desarrollando las piezas del repertorio de Étienne Decroux y las hicieron contemporáneas. Me puse en contacto con ellos y decidí pedir trabajar con ellos y luego entré en la empresa. O simplemente estaba fascinado con moverse y ser expresivo como la poesía o el drama en sí mismo.
¿Cuál es tu proceso profesional?
El camino de mi proceso creativo es lo que vino después del mimo corporal, después de Étienne Decroux. Así que saco un poco del trabajo con esta empresa en la que estuve y también de lo que se llama mimo posmoderno, que es otro asistente de Étienne Decroux, que se llama Thomas Leabhart y otras personas que vinieron después, la próxima generación. Más particularmente la generación de los 70 que exploró cómo podemos usar este movimiento y otras técnicas de movimiento y ser realmente abstractos de alguna manera. Resumen no significa que no estamos contando la historia, sino que contamos más de una historia a la vez. Es como un cuadro de Picasso donde se pueden ver al mismo tiempo diferentes puntos de vista. Usaban el cuerpo para expresar lo que está sucediendo afuera, pero también lo que sentimos por dentro y lo que recordamos. Es como la poesía, la pintura y esta idea va y viene en el tiempo y la intercepción. Esto es lo que realmente me fascinó y luego hubo otros practicantes como por ejemplo Rudolph von Laban que también usaba mucho la danza y también estaba influenciando más que la danza con su idea de conectar lo que hacemos con lo que decimos y lo que pensamos. Ahora el movimiento puede convertirse en un reflejo de las palabras, pero no en el sentido de que es un movimiento codificado, sino que tiene la esencia del pensamiento.
Valentina Temussi, profesora del IDI, colaboradora, coreógrafa 2021
