Qu'est-ce que vous appréciez et appréciez dans le travail avec Harriet, et quelle est votre expérience de travail pour IDI ?
J'ai vraiment aimé la combinaison d'être assez stricte, Harriet aime que les choses soient bien faites et elle est très dévouée. Mais en même temps, elle nous donne la liberté d'expérimenter et de créer. Elle est curieuse de la personne que tout le monde peut être.
Qu'est-ce que vous aimez le plus dans le travail avec de jeunes interprètes et danseurs à l'IDI ?
Au cours des 20 dernières années, j'ai beaucoup enseigné, j'ai donc rencontré et travaillé avec de nombreux étudiants et jeunes interprètes, j'aime beaucoup ça. Vous pouvez voir à quel point ils sont ouverts à comprendre et à accepter différentes choses. Alors que, peut-être, un danseur plus professionnel sera intéressé à montrer le potentiel et les capacités dont il dispose. Bien sûr, ce n'est pas toujours le cas, par exemple Sylvie Guillem a toujours été ouverte, malgré le fait qu'elle ait été la première ballerine, elle était ouverte à différents styles et réalisateurs. Avec de jeunes artistes ou étudiants, ce qui est le plus beau, c'est aussi la capacité de la technologie. Plusieurs fois je ne pense que si je pouvais et puis ils trouvent une solution avec cette lumière, avec cette musique, avec ce son et cette capacité de projection. Une fois que nous avons travaillé avec les ombres, je savais comment je voulais le faire et je connaissais la manière basique de le dire. Mais les jeunes étudiants et interprètes étaient très capables de développer les capacités technologiques derrière cela et c'est devenu très intéressant.
Voulez-vous nous raconter votre meilleur souvenir de travail avec IDI ?
Ce fut un moment l'année dernière (octobre 2020), quand Harriet a demandé à l'un des danseurs d'exécuter un mouvement interprétant un lion. Elle bougeait beaucoup et très bien et à un moment donné, nous lui avons demandé « Qui êtes-vous ? » et elle a dit "Je suis un lion, Roar!". Harriet riait aux éclats et lui demandait de le rejouer. Ensuite, j'ai pensé à quel point c'était agréable de ne pas simplement demander à faire des formes et des mouvements, mais d'être curieux de savoir d'où vient le mouvement. C'est ce que l'IDI est pour moi : d'où vient le mouvement et où peut-on le prendre.
Comment votre parcours vers la dramaturgie a-t-il commencé ?
Les deux choses qui vont de pair dans mon cheminement vers la dramaturgie et mon intérêt pour le mouvement, c'est que j'étais fasciné par la façon dont le corps peut raconter une histoire et à travers le mouvement, j'ai analysé une manière d'écrire qui est différente. Mon parcours a commencé quand j'avais 17 ans, il y a donc 30 ans ! Je ne sais pas pourquoi, mais cela a attiré mon attention et j'ai eu différentes études à l'université, théâtre et dramaturgie d'un côté et mouvement avec des écoles de théâtre physique de l'autre. J'ai travaillé dans une école de théâtre physique qui a fait des tournées internationales, et j'ai pu découvrir à quel point c'est presque d'être utilisé pour raconter une histoire en tant qu'actrice de mouvement physique et ce que cela signifie d'écrire une histoire avec son propre corps en donnant vie à l'idée de quelqu'un d'autre , du directeur. Petit à petit, je suis devenu plus fasciné par le rôle du metteur en scène et j'ai commencé à créer mes propres performances, puis je suis devenu professeur. Mais mon travail est toujours parti du corps.
Pouvez-vous nous parler de l'effet que le Covid a eu sur votre travail, notamment au sein du projet avec l'IDI, et s'il vous a fait repenser certaines choses sur votre métier ?
J'en ai parlé avec Harriet c'est pourquoi j'ai eu l'idée d'une chorégraphie que j'ai proposée. Pendant le verrouillage, beaucoup de gens étaient juste assis près de la fenêtre et j'ai réalisé que la seule chose que nous pouvions partager était la météo et la lumière, et c'est en quelque sorte devenu notre mot, notre langue. Nous réalisons à quel point le temps affecte notre humeur et à quel point le climat est crucial dans nos vies. Nous savons à travers la culture et les journaux que nous devons être conscients de la météo et de l'avertissement mondial, mais là, je l'ai juste ressenti, que nous faisons partie de la même chose et de ce monde. Physiquement, j'ai ressenti le besoin de sortir, de courir et de bouger pour penser et être moi-même. Je pense que nous devons marcher et bouger.
Selon vous, qu'est-ce qui est nécessaire à la danse et à la performance aujourd'hui ? Les nouvelles technologies et le multimédia sont-ils un point crucial pour son avenir ?
Je pense que la danse a besoin d'une révolution, d'un changement. Au théâtre, Peter Brook a déterminé que la scène et les tours de magie de la lumière doivent être visibles par le public. Il ne s'agit pas de créer une illusion, mais de croire et de faire confiance à l'illusion du théâtre pour parler de différentes choses. Maintenant, la même chose se passe avec la danse et la technologie y contribue. En danse, on mise sur la virtuosité du corps, mais à un moment donné, il y a une limite. D'une certaine manière, nous nous habituons à voir des corps voler ou à faire des pirouettes, mais ce que nous voulons voir, c'est comment cela peut devenir une histoire et pourquoi nous devrions utiliser le corps sur scène pour raconter une histoire. La technologie peut nous aider à faire avancer cette possibilité et à trouver une façon différente de voir la réalité en montrant encore plus de points de vue différents.
D'après votre expérience en tant qu'enseignant et interprète, quels sont les plus grands avantages et effets positifs de l'expression corporelle ? Selon vous, quel pouvoir a la danse ?
Je pense que c'est important parce que ce que nous voulons faire, c'est nous connecter avec le public ou transmettre quelque chose au public. Je crois que ce que nous partageons avec tous les êtres humains, c'est le corps, donc quoi que nous voyions ce qui se passe à travers le corps, corporellement sur scène, nous pouvons comprendre ce qui se passe. Toutes les émotions ou sentiments, même les idées que nous voulons transmettre, si nous trouvons une voie qui passe par le mouvement, par le corps, par les traces que le corps peut laisser sur scène, par le son que le corps peut faire, le genre de textures ou pressions que le corps peut donner à un autre corps ou au sol ou à l'espace environnant… qui est immédiatement perçu par le public, et cela peut devenir une histoire. Le public peut ressentir ce que nous voulons lui dire. Pour moi, c'est la chose la plus intéressante qu'on puisse faire sur scène.
Comment avez-vous décidé de poursuivre le mime corporel et quelle a été votre expérience de travail avec ce genre particulier ?
Je pense que le nom est délicat car c'est du mime corporel et la partie que tout le monde remarque est la partie « mime » et tout le monde pense à Marcel Marceau ou au visage blanc. Mais ça n'a rien à voir avec ça. Ce qui m'intéressait, c'était la technique de combinaison du théâtre et de la danse. Le fondateur Étienne Decroux était un homme de théâtre mais était aussi très passionné par la danse. Il cherchait quelque chose d'aussi expressif que la danse, mais qui pourrait vraiment transmettre une histoire d'une certaine manière. L'histoire était l'histoire d'un être humain, donc pour lui l'histoire du corps. Il a vraiment analysé que nous pouvons déplacer le corps de manière expressive et transmettre différentes énergies, différentes textures de mouvement qui peuvent exprimer différents états et mouvements.
Je ne sais pas pourquoi j'ai commencé ce voyage, c'est ce truc quand tu sens que tu veux faire quelque chose et que tu recherches. Je me souviens avoir regardé une vidéo qui m'est vraiment restée en tête, d'une pièce en particulier intitulée La Fabrique du Théâtre de l'Ange Fou. Ils ont continué à développer les pièces du répertoire d'Étienne Decroux et les ont rendues contemporaines. Je suis entré en contact avec eux et j'ai décidé de demander à travailler avec eux, puis je suis entré dans l'entreprise. O était simplement fasciné par le fait de bouger et d'être expressif en tant que poésie d'une manière ou d'un drame lui-même.
Quelle est votre démarche professionnelle ?
Le chemin de mon processus créatif est ce qui est venu après le mime corporel, après Étienne Decroux. Donc je prends un peu du travail avec cette compagnie avec laquelle j'étais et aussi ce qu'on appelle le mime postmoderne qui est un autre assistant d'Étienne Decroux, qui s'appelle Thomas Leabhart et d'autres personnes qui sont venues après, la génération suivante. Plus particulièrement la génération des années 70 qui a exploré comment nous pouvons utiliser ce mouvement et d'autres techniques de mouvement et être en fait abstrait d'une certaine manière. L'abstrait ne signifie pas que nous ne racontons pas l'histoire mais que nous racontons plus d'une histoire à la fois. C'est comme un tableau de Picasso où l'on peut voir en même temps différents points de vue. Ils utilisaient le corps pour exprimer ce qui se passe à l'extérieur mais aussi ce que nous ressentons à l'intérieur et ce dont nous nous souvenons. C'est comme la poésie, la peinture et cette idée qui va et vient dans le temps et l'interception. C'est ce qui m'a vraiment fasciné et puis il y a eu d'autres pratiquants comme par exemple Rudolph von Laban qui a aussi beaucoup utilisé la danse et qui a aussi influencé plus que la danse avec son idée de connecter ce que nous faisons avec ce que nous disons et ce que nous pensons. Or le mouvement peut devenir le reflet des mots mais pas au sens où il est mouvement codifié mais il a l'essence de la pensée.
Valentina Temussi, professeur IDI, collaboratrice, chorégraphe 2021
